6.用光照亮灵魂（光与质感） 之前说了绘画与摄影的区别，但它们之间也有相通的地方，就是都属于光影的艺术。 有了光，才有了景物；不同的观察视角，可以讲述不同的故事；不同的光照角度，可以产生不同的感染力。善于捕捉这些不同，画面就将被赋予更精彩的内涵，画便有了灵魂。 这样思考进而去绘画本身已经是创作了。 首先，主体景物的选择和视角的选择是同时考虑的。 以这幅《芭蕉》为例，景物的选择，无论宏观大场景还是微观局部，总之稀少而独道是前题。比如画中的主体景物是已经晾晒干枯的芭蕉叶，而把常见的鲜活的叶子作了配角。 视角选择可通过距离和角度的变化，尽量给出全新视角。画中釆用了右后侧仰视近景的视角，加上强烈的顺光，让干枯的芭蕉叶突显，而背景的芭蕉丛林光影斑驳，生动呈现。 《芭蕉》 每幅画都要能讲出故事，有其独特的内涵。这里我自己的理解：无任何具体景物的纯抽象画，其内涵是宽泛虚幻的、不可感的。而具体景物绘画表达的必定是人文内涵，也就是可说、可感、可经历的人生领悟。顺便说：我认为中国文化中的经典和诗词是我们最大的人生感悟的财富。 画中被人刻意晾晒的芭蕉叶，虽然看似没有了旁边鲜活的叶子那么旺盛的生命力，但它一定还有它的作用。 其次，画面中恰当的光线使用，往往会成为点睛之笔，让整幅画得到升华，让画面顿时生动鲜活起来。所以很多人对不同的光有其独特的偏好。 1. 正面光，最不常用的光源。缺少立体感和层次感，但可使画面简洁。 2. 侧光，最常用的光源。最易表现被照物体的立体层，而光本身被忽略。用的太多没个性。 3. 漫光（漫反射光），最普通的光源。层次最丰富但本身缺乏个性的光源。 4. 顶光，最含蓄的光，最善于表现气氛。只照亮顶部而将主体隐去。 5. 逆光，最迷人的光，最善于表现韵律。物体变成带亮边的剪影，隐去细节。注意明暗反差不必过大，也不能一黑到底，黑中要有层次，画面色块不能多，且要很大。 6. 聚光，最特别的光，最能感动人且最具戏剧性。一束强光在黑暗中照亮物体，画面生动深刻，我们可以从卡拉瓦乔的作品中看到它。烛光也属于聚光，拉突尔就被誉为＂烛光画家＂。聚光往往就是照亮画的灵魂的那束光。 7. 除了上面六种光源外，还有两种复合光，一种是穿透光，强光穿越物体，如窗前的花草，表现物体透明和斑驳。用清淡多彩的水色层层叠画，但都有清晰锐利的边缘。另一种是涣光，强光背景侵蚀掉物体边缘，使边缘虚化，而物体整体不失细节。 下面的《老街》练习表现的就是涣光下的景物。同时加强了黄与紫对比色的使用，让主体在涣光中更突出。 《老街》 漫光表现景物质感的最好选择。 质感是绘画中生动地表现事物所必备的，越简单的画面质感越重要。比如这幅练习《岁月的痕迹》，画面极简，只能用质感表现主题。质感不是描摹出来的，质感的表现可以通过三种方式：层次、笔触、肌理实现。 《岁月的痕迹》 1. 层次刻画。这幅画至少上了五遍色：黄+红的底色、赭石+一点兰的暖灰、赭石+多点兰的深暖灰、焦赭+群青的暖黑、干笔最后调整。留白胶也用了两次，第一次画前甩点，第二次画完暖灰后再次甩点，等到最后调整前一起除掉。 2. 笔触。五遍上色不是平涂，每遍都要注意笔触。总的笔触都是从上到下，尤其第五遍干笔，要同时注意飞白和点线。。 本文来源：https://www.wddqw.com/doc/18bbcd024bd7c1c708a1284ac850ad02df800712.html